Akira Kurosawa

(....Prêmios....)

Akira Kurosawa was born to Isamu and Shima Kurosawa on 23 March 1910.^[2] He was the youngest of eight children born to the Kurosawas in a suburb of Tokyo. Shima Kurosawa was forty years old at the time of Akira's birth and his father Isamu was forty-five. Akira Kurosawa grew up in a household with three older brothers and four older sisters. Of his three older brothers, one died before Akira was born and one was already grown and out of the household. One of his four older sisters had also left the home to begin her own family before Kurosawa was born. Kurosawa's next-oldest sibling, a sister he called "Little Big Sister," also died suddenly after a short illness when he was ten years old.

Kurosawa's father worked as the director of a junior high school operated by the Japanese military and the Kurosawas descended from a line of former samurai. Financially, the family was above average. Isamu Kurosawa embraced western culture both in the athletic programs that he directed and by taking the family to see films, which were then just beginning to appear in Japanese theaters. Later, when Japanese culture turned away from western films, Isamu Kurosawa continued to believe that films were a positive educational experience.

In primary school, Akira Kurosawa was encouraged to draw by a teacher who took an interest in mentoring his talents. His older brother, Heigo, had a profound impact on him. Heigo was very intelligent and won several academic competitions, but also had what was later called a cynical or dark side. In 1923, the Great Kantō earthquake destroyed Tokyo and left 100,000 people dead. In the wake of this event, Heigo, 17, and Akira, 13, made a walking tour of the devastation. Corpses of humans and animals were piled everywhere. When Akira would attempt to turn his head away, Heigo urged him not to. According to Akira, this experience would later instruct him that to look at a frightening thing head-on is to defeat its ability to cause fear.^[3]

Heigo eventually began a career as a benshi in Tokyo film theaters. Benshi narrated silent films for the audience and were a uniquely Japanese addition to the theater experience. However, with the impact of talking pictures on the rise, benshi were losing work all over Japan. Heigo organized a benshi strike that failed. Akira was likewise involved in labor-management struggles, writing several articles for a radical newspaper while improving and expanding his skills as a painter and reading literature.

When Akira Kurosawa was in his early 20s, his older brother Heigo committed suicide. Four months later, the oldest of Kurosawa's brothers also died, leaving Akira as the only surviving son of an original four at age 23.

Kurosawa's wife was actress Yoko Yaguchi.^[4] He had two children with her: a son named Hisao and a daughter named Kazuko.

Kurosawa was a close friend of director Ishiro Honda, who directed the original Godzilla.^[5]

1951 – Golden Lion at the Venice Film Festival for Rashomon

1951 – Academy Award: Best Foreign Language Film for Rashomon

1954 – Silver Lion at the Venice Film Festival for Seven Samurai

1959 – Silver Bear for Best Director at the Berlin Film Festival for The Hidden Fortress

1975 – Academy Award: Best Foreign Language Film for Dersu Uzala

1980 – Palme d'Or at the Cannes Film Festival for Kagemusha

1982 – Japan Foundation: Japan Foundation Award.[38]

1982 – Career Golden Lion at the Venice Film Festival

1984 – Légion d'honneur

1985 – Order of Culture

1989 – Honorary Academy Award

1992 – Praemium Imperiale

1999 – Lifetime Achievement Award at the Japanese Academy Awards

1990 – Fukuoka Asian Culture Prize

 (....Títulos....)

1943 - Sanshiro Sugata - aka Judo Saga

1944 - The Most Beautiful

1945 - Sanshiro Sugata Part II - aka Judo Saga 2 - The Men Who Tread on the Tiger's Tail

1946 - No Regrets for Our Youth

1947 - One Wonderful Sunday

1948 - Drunken Angel

1949 - The Quiet Duel - Stray Dog

1950 - Scandal – Rashomon

1951 - The Idiot

1952 - Ikiru - aka To Live

1954 - Seven Samurai

1955 - I Live in Fear

1957 - Throne of Blood - The Lower Depths

1958 - The Hidden Fortress

1960 - The Bad Sleep Well

1961 - Yojimbo

1962 - Sanjuro

1963 - High and Low - aka Heaven and Hell

1965 - Red Beard

(.....Saul Bass.....)

Early career

Saul Bass was born in May 8, 1920, in New York City. He studied at the Art Student's League in Manhattan until attending classes with Gyorgy Kepes at Brooklyn College. He began his time in Hollywood doing print work for film ads, until he collaborated with filmmaker Otto Preminger to design the movie poster for his 1954 film Carmen Jones. Preminger was so impressed with Bass’s work that he asked him to produce the title sequence as well. This was when Bass first saw the opportunity to create something more than a title sequence, but to create something which would ultimately enhance the experience of the audience and contribute to the mood and the theme of the movie within the opening moments. Bass was one of the first to realize the creative potential of the opening and closing credits of a movie.

[edit]Film title sequences

Bass became notorious in the industry after creating the title sequence for Otto Preminger's The Man with the Golden Arm (1955). The subject of the film was a jazz musician's struggle to overcome his heroin addiction, a taboo subject in the mid-'50s. Bass decided to create a controversial title sequence to match the film's controversial subject. He chose the arm as the central image, as the arm is a strong image relating to drug addiction. The titles featured an animated, black paper cut-out arm of a heroin addict. As he expected, it caused quite a sensation.

For Alfred Hitchcock, Bass provided effective, memorable title sequences, employing kinetic typography, for North by Northwest, Vertigo, working with John Whitney, and Psycho. It was this kind of innovative, revolutionary work that made Bass a revered graphic designer. His later work with Martin Scorsese saw him move away from the optical techniques that he had pioneered and move into computerized titles, from which he produced the title sequence for Casino.

He designed title sequences for 40 years, for films as diverse as Spartacus (1960), The Victors (1963), It's a Mad, Mad, Mad, Mad World (1963) and Casino (1995). He also designed title sequences for films such as Goodfellas (1990), Doc Hollywood (1991), Cape Fear (1991) and The Age of Innocence (1993), all of which feature new and innovative methods of production and startling graphic design.

[edit]Selected film title sequences and respective dates:

• Carmen Jones (1954)
• The Man with the Golden Arm (1955)
• The Seven Year Itch (1955)
• Around the World in Eighty Days (1956)
• Bonjour Tristesse (1958)
• Vertigo (1958)
• Anatomy of a Murder (1958)
• The Big Country (1958)
• North by Northwest (1959)
• Psycho (1960)
• Spartacus (1960)
• Exodus (1960)
• Advise and Consent (1960)
• Ocean's Eleven (1960)
• West Side Story (1961)
• Walk on the Wild Side (1962)
• The Victors (1963)
• Nine Hours to Rama (1963)
• It's a Mad, Mad, Mad, Mad World (1963)
• The Cardinal (1963)
• In Harm's Way (1965)
• Bunny Lake Is Missing (1965)
• Grand Prix (1966)
• Seconds (1966)
• Broadcast News (1987)
• Big (1988)
• The War of the Roses (1989)
• Goodfellas (1990)
• Cape Fear (1991)
• Doc Hollywood (1991)
• Age of Innocence (1993)
• Casino (1995)

(.....LALO SCHIFRIN.....)

http://www.youtube.com/watch?v=3roS8cJRGEk&feature=related

A partir das transformações pelas quais passou a música de cinema nos anos 60, o argentino Lalo Schifrin desenvolveu um estilo músical único. Suas marcantes misturas de efervescente jazz, eloqüentes passagens sinfônicas e faixas de ação ritmadas garantiram sua popularidade através de gerações de ouvintes, e hoje seus talentos voltam a ser requisitados em produções de primeira linha. O premiado compositor se destaca com trabalhos originais, que misturam jazz e música clássica, além de criações cinematográficas de alta qualidade. Graças a elas, Schifrin garantiu uma posição privilegiada na galeria dos compositores contemporâneos do cinema. Juntamente com a esposa Donna, Schifrin vem lançando alguns dos seus trabalhos mais populares através da sua própria gravadora, Aleph Records. Entretanto, adquirir os direitos de certas trilhas nem sempre é uma tarefa fácil, como o próprio compositor nos conta. "O problema é que certas gravadoras, que possuem os scores, tornaram-se parte de conglomerados, e isso dificulta a negociação. Propus a Clint Eastwood uma coletânea dos filmes de DirtyHarry, e chegamos a um acordo em termos de royalties. Pareceu muito fácil, até que os advogados do estúdio, por uma questão de princípios e por desconhecerem meu bom relacionamento com Clint, negaram o acordo. Posteriormente eu e minha esposa, que preside a gravadora, procuramos os advogados e conseguimos lançar o CD. No momento estamos preparando Mannix, porém estamos com dificuldades para obter a gravação original, lançada apenas em LP. Vou ter de regravá-la com músicos diferentes enquanto estiver na Europa, realizando concertos." Recriar trilhas do passado na Europa tornou-se uma solução comum e econômica para muitos compositores, apesar de ter suas armadilhas. "As trilhas mais difíceis de regravar são aquelas que combinam jazz e música sinfônica. Por exemplo, como refazer Cool Hand Luke na Europa? A tabela do sindicato em Hollywood é alta, e eu não os culpo porque eles possuem os melhores instrumentistas do mundo. Se precisar de gaitas de boca, banjos, em que outra parte do mundo vou achar músicos que os toquem do modo apropriado? Você precisa de alguém que leia e toque rápido estes instrumentos, na marcação exata."

Schifrin nasceu na Argentina, e foi em Buenos Aires que, em 1958, tocando piano em um clube de jazz, foi descoberto pelo famoso trumpetista Dizzy Gillespie . Após seu ingresso no grupo de Dizzy, passou a ser requisitado por famosos jazzistas e compositores, como o maestro Quincy Jones. Mas foi apenas quando desembarcou em Hollywood que viu seu talento ser reconhecido pelo grande público. Após o grande sucesso do tema e trilhas compostas para a popular série de TV Missão Impossível, Schifrin foi contratado pelos grandes estúdios, para os quais compôs em três filmes idealizados para tornar Ann-Margret uma estrela: Once a Thief (com Alain Delon), The Cincinnati Kid (com Steve McQueen), e a sátira aos filmes de espionagem protagonizada pelo agente Matt Helm, Murderers Row (com Dean Martin). Sua maestria em criar excelente música de suspense e ação também foi utilizada em séries como O Agente da U.N.C.L.E, Mannix e os filmes The President's Analyst, com James Coburn, and The Liquidator.

Apesar de Schifrin ter tido a sorte de ver alguns de seus primeiros trabalhos lançados em vinil, os interesses comerciais estavam mudando. "A Verve Records fez uma compilação de algumas faixas de Once a Thief. Quando cheguei em Hollywood, eOnce a Thief foi um de meus primeiros filmes lá, Henry Mancini havia com sucesso mudado a arte e o formato dos álbuns de trilhas sonoras. Ele pegava um trecho ouvido no filme, e o desenvolvia em uma nova faixa gravada especialmente para o álbum. Claro, havia um tema principal - 'Moon River,' 'Days of Wine and Roses.' A MGM quis que eu fizesse o mesmo. Peguei trechos deOnce a Thief e fiz um álbum comercial para ser tocado nas rádios, que à época realmente colocavam no ar música de cinema. A KABC, por exemplo, tinha uma grande audiência. Já as gravações originais, aquelas realmente utilizadas no filme, eram esquecidas. Quando uma nova administração assumiu a MGM, o presidente do estúdio foi até os arquivos musicais e perguntou 'O que é isso?' Isso eram as gravações de alguns dos maiores compositores, como Miklos Rozsa. E ele disse 'Queimem, vamos utilizar este espaço.' À época os grandes estúdios estavam se desintegrando, e estavam alugando salas para muitas companhias independentes. Por sorte, o responsável pelo arquivo na época, Harvey Taylor, me chamou e perguntou se eu queria salvar alguns dos meus scores. Alguns nem eram as gravações integrais, mas versões condensadas para pianistas e regentes. Eu possuo The Cincinnati Kid assim. Também houve um incêncio em Hollywood, quando muitas trilhas queimaram - minhas, de Mancini, de todos. Na Warner Brothers houve uma inundação onde muitas trilhas e fitas ficaram inutilizadas. Na MGM, queimaram a trilha deDoutor Jivago! Todo mundo sabe disso. Maurice Jarre foi para Londres reger uma orquestra chamada Filmharmonic, e reconstruiuDoutor Jivago! Eu não sei como ele conseguiu."

Após ter se estabelecido firmemente na indústria, Schifrin marcou o final dos anos 60 e o início dos 70 com trilhas dinâmicas e funky, avidamente disputadas por colecionadores. A primeira foi o sucesso inesperado de 1968, Bullitt, no qual Steve McQueen participou, em São Francisco, de uma das mais espetaculares perseguições automobilísticas das telas. "Não escrevi qualquer música para a perseguição de Bullitt. Compus uns cinco minutos de música que antecedem à perseguição, que cessa no exato momento em que Steve McQueen acelera bruscamente. Disse ao diretor que seria o melhor a fazer, havia dois carros na cena e o público deveria concentrar-se apenas nos sons da perseguição. Eu fiz cenas semelhantes, como em Dirty Harry na Lista Negra com o carro de brinquedo, e em The Mean Season (com Kurt Russell and Mariel Hemingway)."

Além de Dirty Harry na Lista Negra, Schifrin compôs para outros três filmes da popular série da Warner protagonizada pelo detetive Harry Callaham. Em Dirty Harry (Perseguidor Implacável), Clint Eastwood era um tira que desafiava o sistema, fazendo justiça com as próprias mãos. "Esses filmes eram diferentes, devido à época e às suas histórias. Contrapondo-se a um estilo europeu de filmar, muito apreciado à época, na série Dirty Harry vemos o estilo americano por excelência. Há muita ação e movimento - o personagem de Eastwood está sempre indo de um lugar para o outro, e não sabemos porque, e nem o que ele fará em seguida. Realmente não criei um tema para Clint Eastwood, mas alguns motivos. Um é ouvido quando ele está investigando ou em ação, mas ele não é um herói no sentido tradicional, é diferente do personagem que ele interpretou para Sergio Leone, com a música de Ennio Morricone. Há um tema sisnistro para Scorpio, o vilão. Próximo ao final surge um outro, mais emocional, trágico. Ele está limpando o lixo da sociedade, e é um tema depressivo.Magnum 44 foi totalmente diferente, já que os vilões eram policiais. Em Impacto Fulminante há uma história de vingança, com um tema de parque de diversões para os flashbacks. Cada um desses filmes foi diferente, e a única coisa que permaneceu em todos foi o tema curto para Dirty Harry, que acabou transformando-se na canção ouvida ao final de Impacto Fulminante, cantada por Roberta Flack."

O diretor de Dirty Harry, Don Siegel, já era um diretor respeitado, e sua parceria com Schifrin resultou em alguns de seus melhores filmes. "Don era um cara divertido, e de certo modo me lembrava Dizzy Gillespie. Dizzy era muito seguro de si, e possuía um grande senso de humor, exceto quando se tratava de música - aí ele ficava muito sério. Don e eu gostávamos do que fazíamos e entendíamos o que cada um desejava. Fiz Meu Nome é Coogan, The Beguiled, Dirty Harry, O Telefone e Charley Varrick (O Homem que Burlou a Máfia) para ele. Charley Varrick possuía um plano para enganar a Máfia, a polícia, todo o mundo. Você não sabe qual é o plano, então a música tem de dizer o que ele está pensando. Foi muito difícil! Don Siegel incentivou muitos jovens diretores, como John Cassavetes. Ele encorajou Clint Eastwood para tornar-se diretor; chegou a interpretar um barman no primeiro filme de Clint, Play Misty for Me (Perversa Paixão). Don e eu pregávamos peças um no outro. Por exemplo, Charley Varrick inicia em uma cidadezinha de Nevada durante os anos 70. Nos primeiros minutos há um violento assalto a banco, mas pelas cenas de abertura você não desconfia que irá assistir a um filme de ação. Usei uma espécie de pastoral gentil, no estilo de Aaron Copeland, para contrastar com o fato do protagonista ser um ladrão. Foi então que Don entrou no estúdio de gravação, para assistir aos créditos iniciais. Estávamos ensaiando e Don não podia ouvir o som na cabine, portanto não sabia o que eu estava dizendo à orquestra. Sabia quando iriam surgir as palavras "Directed by Don Siegel," e disse aos músicos que, nesse exato momento, eles fizessem exatamente o contrário do que havia escrito. Continuamos com nossa música suave, mas quando o nome de Don surgiu, foi um completo pandemônio musical! Ele quase teve um ataque cardíaco, mas logo percebeu que era uma piada. Para se vingar, algum tempo depois ele me mostrou um filme pornográfico com a música de Charley Varrick de fundo. E lá estava a minha bela pastoral, enquanto na tela uma mulher "brincava" com um cavalo! Pensei "Bem, agora tenho um futuro na indústria pornográfica!" Isso lhes dá a idéia de como era divertido trabalhar para Don."

Em 1971, o mesmo ano de Dirty Harry, Siegel e Schifrin também fizeram The Beguiled (O Estranho que nós Amamos), uma espécie conto de horror gótico situado durante a Guerra Civil americana, na qual um soldado ianque ferido (Eastwood novamente) é tratado em uma escola de moças. Ele logo aproveita a situação para obter favores sexuais, mas logo aprende que não há nada pior que uma mulher sulista desprezada. "The Beguiled é o melhor filme e a melhor trilha que fiz. É o score que eu mais desejo regravar, tornar conhecido. É uma pena que a gravação original nunca tenha sido lançada. Esse filme deveria ser exibido em escolas para diretores, para que aprendam todas as técnicas e linguagens cinematográficas que contém. Don quebrou  muitas regras contando aquela história, e ele a contou da melhor maneira possível."

Enquanto os anos 70 passavam, Schifrin começou a diversificar seus projetos. Já havia sido bem sucedido com The Fox, do diretor Mark Rydell, e teve  contato com a ficção-científica através do primeiro filme de  George Lucas, THX-1138. Os grandes projetos continuaram, incluindo o clássico das artes marciais Operação Dragão e o drama da 2ª Guerra The Eagle Has Landed (recentemente lançado em CD pela Aleph). Compôs uma trilha magistral para O Exorcista, que foi descartada de modo no mínimo indelicado pelo diretor William Friedkin. Retornou para o terror em grande estilo com The Amytiville Horror. Nos anos 80 e até o início dos 90, Schifrin fez esporádicos trabalhos para o cinema (O Casal Osterman, FX2) talvez por descaso dos diretores. Agora, com sua música presente em filmes tão diversos como Tango, de Carlos Saura, e A Hora do Rush, o sucesso estrondoso de Jackie Chan e Chris Tucker, toda uma nova geração de cinéfilos está descobrindo a arte versátil do talentoso Lalo Schifrin.